Tratto dal romanzo di Seth Grahame-Smith, qui sceneggiatore, in “La leggenda del cacciatore di vampiri” (orribile titolo italiano) scopriamo che Abramo Lincoln oltre a svolgere il suo compito di presidente degli Stati Uniti nel tempo libero si dedicava a dare la caccia a vampiri ed essere soprannaturali.

Diretto da un vero tamarro russo come Timur Bekmambetov e con un cast con nomi del calibro di Mary Elizabeth Winstead, Dominic Cooper, Rufus Sewell, il mitico Alan Tudyk e Benjamin Walker questo film ha tutte le carte in regola per sorprendere e diventare un cult movie…dimenticavo che alla produzione c’è Tim Burton ma tendo a snobbarlo perchè ultimamente mi ha dato solo delusioni.

Starete pensando che sicuramente non uscirà mai in Italia e invece eccovi la sopresa..esiste già una release italiana!! 24 agosto! Che poi verrà spostata a settembre..poi ottobre..come al solito..ma ora gustatevi il bellissimo teaser trailer!

http://www.youtube.com/watch?v=34x6m-ahGIo

Per farvi capire la portata di questo film ecco un’immagine delle due grandi icone pronte a mettersi in forma…gli anni passano e gli acciacchi aumentano ma dopo un bel intervento per sistemare le spalle torneranno più forti che mai!!!

Lo sguardo viene investito da una marea di dettagli bellissimi e minuziosi che abbattono la barriera dello schermo e scandiscono la mirabolante profondità di un 3D mai così espressivo ed accurato. Vi cito solo un dettaglio, così da farvi capire l’attenzione quasi ossessiva che Scorsese ha investito per sfruttare al meglio la tecnica stereoscopica: sovente ogni personaggio viene incorniciato da una linea sottile di luce riflessa, che ritaglia le figure in un modo meraviglioso e le fa spiccare dallo sfondo. Non solo un accorgimento dell’illuminazione che ha lo scopo di aumentare l’illusione della profondità ma anche dimostrazione eloquente di quanto il 3D, affinché si dimostri vincente, sia subalterno ad un approccio studiato dei metodi cinematografici tradizionali (e mi riferisco anche alla disposizione puntuale ed armoniosa degli oggetti e dei corpi nello spazio). Certo, son cose che in teoria si sapevano già, ma in pratica ci voleva un maestro della Settima Arte, profondo conoscitore di poetica e tecnica, per spostare l’asticella più in alto e mostrarci nuove potenzialità di questa tecnologia contemporanea (o meglio, evolutasi in tempi contemporanei).

Grande Martin Scorsese. Il valore di un grande regista, oltre dalle abilità intrinseche che dispone, si vede anche dalla vivacità con cui si avvicina al nuovo, si nota quando, cercando di farlo proprio, riesce a creare qualcosa di speciale.

Beh, più o meno quello che facevano i grandi pionieri del cinema, più o meno quello che fece Georges Méliès, vero e proprio fondatore del cinema fantastico (e dell’effetto speciale), del cinema come espressione dell’insolito e del meraviglioso. Tutto Hugo Cabret può essere considerato come un omaggio sentito e commosso verso quell’artista delle origini (stupende le scene che mostrano Méliès – bravissimo Ben Kingsley che lo interpreta, a proposito – al lavoro nel suo “castello di vetro” e quelle che rievocano il fondamentale “Le voyage dans la Lune” ), nonché una riflessione sull’integrità della magia cinematografica, che deve essere preservata e continuamente favorita, soprattutto oggi che il mezzo permette di sondare in profondità visioni che fino a ieri stazionavano nella faglia dell’impossibile.

E’ bello perché Scorsese fa un po’ quello che fa il giovane personaggio del suo film. Aggiusta, mette a posto gli ingranaggi, ridà onore, forza visiva ed emozionale, divertimento pieno e gustoso ad uno spettacolo pensato per tutti e realizzato in grande con le tecnologie più all’avanguardia. Una lezione tutt’altro che scontata, oggi più che mai.

Vogliamo trovare dei punti deboli, tanto per rompere le uova nel paniere? Ok, il film ha una durata interessante (127 minuti) e in qualche passaggio (pochi, però) ho avuto come l’impressione che il racconto si sgonfiasse di energia coinvolgente. Non ho ancora capito se è perché Scorsese mostrava un po’ di difficoltà nel dirigere i giovani attori o perché ne era talmente innamorato da mettersi a contemplarli.

Non so, e se anche fosse un piccolo cono d’ombra il livello generale l’ho trovato così soddisfacente e abbagliante che mi son tolto gli occhialini e son uscito dalla sala pensando “grazie Martin per il bel gioiello che hai girato!”

http://www.youtube.com/watch?v=xqZcGJq6NA4

Fare un film con un mega squalo che si magna le persone è di una facilità estrema perchè basta prendere un pezzo di legno e sagomarlo a forma di pinna dorsale per le riprese a pelo d’acqua e utilizzare materiale d’archivio di National Geografic per mostrare il selachimorpha (ne so a pacchi) nel suo ambiente naturale. Con un modestissimo investimento in sangue finto, CGI da brividi, qualche arto in lattice ed attori al minimo sincadale il gioco è fatto. E’ per questi motivi che il Jaws-movie è stato negli ultimi anni una prerogativa del cinema di serie b e davvero i titoli al riguardo non si contano..a partire dai primi orrendi sequel de Lo Squalo ad arrivare ai cult movie della Asylum e di Roger Corman.

Quando senti parlare di film con uno squalo assassino quindi si pensa subito ad un altra produzione low budget indipendente ma ci sono le eccezioni perchè hollywood ogni tanto ci riprova, sarà per qualche produttore incompetente oppure per un regista fuori di testa ma ogni tanto arrivano nelle sale film come Blu Profondo dove con un budget decine di volte superiore ad un film Asylum e con un cast di tutto rispetto tirano fuori delle cagate madornali. Vi prego di guardare il video sottostante e di concentrarvi sulla bidimensionalità vergognosa di Samuel Jackson. (78 milioni di budget…senza parole)

http://www.youtube.com/watch?v=ZQTJtHxslQs

Shark Night 3D è un’altra di queste eccezioni ed i risultati sono altrettanto imbarazzanti. Alla regia troviamo quel David R. Ellis che ha cercato in tutti i modi di vendere come cool Snakes on a plane non riuscendo a convincere nemmeno se stesso e gli amanti del cinema trash. La trama del film però non è la solita…ma è ancora peggio!! Mi spiace darvi l’unico spoiler significativo del film ma serve per farvi capire quanto sia assurdo. Si parte con il solito gruppo di bambocci universitari più o meno odiosi che vanno in vacanza sul lago e iniziano a morire uno ad uno per colpa di squali affamati…ma come cazzo avranno fatto degli squali a finire in un lago salato? (fanno notare che è salato circa 20 volte per rendere la cosa più accettabile). Per sfortuna di questi bimbi minchia i pescatori del luogo hanno deciso di girare alcuni snuff movie con le aggressioni degli squali per fare poi tanti bei dindini…

David R. Ellis è un vero artista...

Il tutto è veramente assurdo perchè i personaggi sono degli stereotipi con le gambe e pur mettendoci la buona volontà gli attori sono gestiti in modo assurdo da Ellis che li piazza a cazzo sulla scena e li costringe a recitare battute di un banale che ti senti in imbarazzo per loro. Sorvolando sulla  fotografia che credo sia stata fatta tutta in post produzione giocando con il color correction, menzione particolare va agli effetti speciali che non solo sono lontani anni luci dagli standard hollywoodiani ma a loro confronto lo squalo di Mega Shark Vs Giant Octopus è stramegacredibile.

A mio avviso lo scettro di peggior regista del mondo andrebbe a David R. Ellis e non a Uwe Boll ma questa è un’altra storia..per ora voglio dirvi di stare alla larga da questo se cercate un film di qualità e ben costruito..se invece cercate un vero film di merda per fare delle risate involontarie allora Shark Night farà di certo al caso vostro.

http://www.youtube.com/watch?v=R–gReLlkT4

Esistono film che vanno oltre le scarsissime produzioni a basso budget, esistono film che vanno oltre il poco curato prodotto televisivo, esistono film che vanno oltre l’opera semi-amatoriale di genere e approdano pietosamente nell’amatoriale puro, peggio, nell’amatoriale dell’amatoriale, ovvero nella più infima concezione di tecnica e linguaggio cinematografico che si possa mai pensare. Non siamo più dalle parti di un certo tipo di brutto più o meno accettabile, per commentare questo film dobbiamo riorganizzare le nostre convinzioni, i nostri metri di giudizio e i mezzi che ci permettono di giudicare, con questo tipo di film “si va nella città dolente e nell’eterno dolore” e ci inoltriamo con indicibile spavento in troppo poco esplorati sottoboschi dello sgradevole.

Questo “thriller psicologico” (ma il thriller psicologico non si palesa tanto dagli elementi del racconto che ci mostra la pellicola, quanto dalla visione di essa), rappresenta lo zenit dello squallore che certe produzioni per la televisione possono raggiungere. Questo “Dio mi perdoni” è la dimostrazione che opere corrispondenti a quelle dei falsi trailers nel programma della Giallappa’s Band non solo esistono veramente, ma ne superano oltremodo la parodia. Temo, purtroppo, che Destroy this movie! per la prima volta non abbia un numero di candelotti sufficientemente adeguato per rendere onore al prodotto e se anche ce li avesse il numero sarebbe così grande da diventare innominabile. Peter Jackson solo sa che non sto esagerando.

Come facciamo a descrivere “Il sottile fascino del peccato” di Franco Salvia, regista non certo nuovo a leccornie di siffatto genere? L’impronta visiva della soap-opera sembra in effetti un chiaro modello (sarà che alcuni attori di questo film hanno lavorato anche a soap piuttosto celebri), ma neppure le soap, che nel loro genere possono contemplare anche una minima e ragionevole professionalità realizzativa, si meritano di essere accomunate a ‘sta roba.

Ecco, semmai possiamo dire che codesta pellicola sembra più il frutto del capriccio inquietante di un totale sprovveduto, privo anche delle più elementari e agevoli basi della tecnica cinematografica (e sì che il regista pare abbia frequentato una scuola di cinema, almeno a giudicare dalla biografia), cresciuto a pane e soap. No, davvero, ci sono dei momenti che superano senza alcun dubbio l’amatoriale: zoomate orride e improbabili usate a mo’ di carrelli (forse perché non vi era disponibilità di attrezzature adeguate), rallentamenti dell’immagine immotivati ed a volte misti a dissolvenze incrociate (magari sulla stessa figura, quasi a voler creare chissà quale effetto evocativo ed etereo. Ed in generale assistiamo a tutta una serie di effettacci rozzi e gratuiti, come quelli che creerebbe un bambino mentre spippola il menù della telecamerina che gli ha appena regalato il babbo), angolazioni sbagliatissime, flashback introdotti da un lampo bianco e da un botto potentissimo stile accensione della lightsaber e che virano in un pietoso seppia, montaggio mentecatto che non azzecca neanche il tempo di una sequenza, e dulcis in fundo sonoro, tenetevi forte, pieno zeppo di fruscii e rumori indesiderati in sottofondo e salti d’audio tra suono registrato presumibilmente in presa diretta ( ovviamente senza le accortezze tecniche necessarie) e suono registrato in studio!!

Credo comunque che il livello più basso si raggiunga con il (vano) tentativo di creare sequenze di suspense, in quei momenti ho davvero sentito Hitchcock urlare e gemere dalla tomba.

La cosa simpatica del film è che è come la puntata pilota una squallida soap exploitation con siparietti da “thriller-horror” (vedere ad esempio i rituali della setta satanica) e da erotico soft. Eh sì, il film non si fa mancare un po’ di tette al vento e qualche scena di sesso! In condizioni del genere anche un cast di primi nomi sfigurerebbe, peccato che qui di un cast del genere non vi è nemmeno un lontano olezzo, al limite ha preso parte alla farsa qualche onesto attore di teatro con un sacco di bollette da pagare. Alla fine la meno peggio di tutto il pacchetto è la diabolica Rachele interpretata dalla soubrette Milena Miconi, mentre Giada dell’imperdonabile Carmen Trigiante sgomita per raggiungere un posizione di rilievo nel canile. La ciotola di gustosi bocconcini Ciappi gliel’assicura la dizione incerta ed un’ostentata e goffissima modulazione vocale aggressiva, dura e tosta, come a suggerire “sono la protagonista aggressiva, dura e tosta, che pensate…”

Guarda, non lo dubitavamo Carmen…

Però ad un certo punto mostra le tette, e per un buon 5% la perdono…

Segnalo il breve effetto straniante che fornisce Gerard Amato: appena lo vedi esclami repentino “Michele Placido, ma ‘n do’ sei finito??”, poi realizzi che Amato è soltanto il meno celebre ( forse sfortunato?) e somigliantissimo fratello…

Consiglio a tutti la visione di “Il sottile fascino del peccato” di Franco Salvia perché è un film che rafforza l’autostima. Non pensate che i film brutti e oltremodo brutti non servono a niente, personalmente il mio sogno era (è?) fare il regista, ma temo di essere un totale incapace sotto tutti gli aspetti, tanto che vorrei avere la metà della metà della metà della metà del talento di alcuni dei peggiori registi di cui ho (amichevolmente e ironicamente) sparlato poi però vedi l’opera di Salvia e pensi davvero “cacchio, anche se sono pietoso peggio di lui non posso proprio fare…forse c’è davvero posto per tutti!”

Scena da ricordare: lo spogliarello della Trigiante a casa di Placido… qualcosa di buono bisogna pur trovare.

Consigliato a: chi vuole godere delle impareggiabili visioni della soap-exploitation di Franco Salvia.

http://www.youtube.com/watch?v=Pr9aCSjp0qE

Massima stima per Zio Lloyd!!

« Questi film sono ciò che spesso i media definiscono sesso e violenza, ma io li definisco: una giornata tipo nel mio cervello »

[hdplay id=2 ]

Cosa c’è di sbagliato in questa pellicola se non tutto? Si, esatto tutto. Potremmo iniziare dai problemi superflui e magari da pignoli per arrivare a quelli enormi e stupidi. Iniziamo con il dire che Dolph Lundgren non è Frank Castle. Sarà un duro, avrà il volto che ricorda qualche tavola del fumetto Marvel ma non è Frank Castle. Non aiuta il fatto che nel film il protagonista non indossa per niente il teschio che rende famoso il personaggio nei comics. Mettiamoci anche uno stravolgimento delle origini, dei personaggi inventati, una storia che non ha nulla a che spartire con la testata cartacea…Ma se questi fossero i problemi!

La recitazione è pessima, davvero pessima da film di serie B (ed è un film di serie B). Una regia penosa che non fa altro che soffermarsi spesso sul fondoschiena di Frank Castle e basta. Per non parlare di alcune trashate riconducibili nel finale dove l’idiozia viene fuori per quella che è.

Un’adattamento che non ha nulla a che fare con Punisher se non nel nome del protagonista e gli atti violenti che egli compie. Ma se il film si fosse chiamato “Gianni” o “L’uomo che uccideva a sangue freddo”, la differenza non c’era per niente. Ma sicuramente farà la felicità di chi è in cerca di trashate belle e buone.
Che poi ancora oggi non mi spiego perchè nel film doppiato in italiano i personaggi ripetono spesso la parola “punire” (The Punisher in italiano vuol dire il Punitore…) e il film è stato tradotto come “il vendicatore” anzichè “il Punitore”…Misteri della fede!

Scena da ricordare: Frank Castle che – quando non ammazza – pensa seduto con il culo di fuori. Da antologia.

Frase da ricordare: “E tu come li chiami 125 cadaveri in cinque anni?” “Work in progress”

Consigliato a: i Marvel-fan sfegatati o chi vuole un trash bello e buono!

http://www.youtube.com/watch?v=umYvv7K4Z_I

1 Star Wars – Dagobah Frog Habitat

Situato nel settore di Sluis il pianeta Dagobah, ricco di paludi, sarà l’ambiente ideale per allevare le vostre simpatiche rane. Da notare che, oltre alla bellissima scenografia aliena, è presente il grande Yoda che insegnerà tutti i segreti della Forza alla vostra rana Jedi.
Lo trovate su Amazon ad un prezzo veramente assurdo..fateci un girino…(brutta questa)

 2 Sell Your Own Damn Movie!

Non poteva mancare nella mia libreria il nuovo libro di Sua Maestà Lloyd Kaufman e non potrà di certo mancare nella vostra e in quella dei vostri amici! Dopo i divertenti e utili “Make Your Own Damn Movie!“, “Produce Your Own Damn Movie!” e “Direct Your Own Damn Movie!” ecco il tassello finale che spiega come vendere il vostro dannato film indipendente! Pieno di racconti interessanti e interviste ai grandi di Hollywood questo libro è un must.
Lo trovate su Play.com a €12.93..Ottimo direi!

 3 Spock Cookie Jar

“Cucina, ultima frontiera. Eccovi i biscotti dell’astronave Enterprise durante la sua colazione mattutina, diretta all’esplorazione di strani, nuovi dolci, alla ricerca di altre forme di cioccolata e di loacker, fino ad arrivare laddove nessun uomo è mai giunto prima di pranzo.”
Con queste parole il Capitano James T. Kirk ricorda la grande missione che ha portato l’Enterprise a scoprire tante nuove forme di biscotti..dagli Spicchi di sole ai Pan di Stelle. Per ricordare questa grande impresa è stato creato il portabiscotti di Spock. Da evere subito!! Ordinatelo qui.

 4. Psycho Bates Motel

In questi giorni sto arredando casa e da vero nerd…geek…malato di cinema sto cercando le cose più assurde ma puntuamente mi vengono bocciate dalla mia dolce metà quindi spero che almeno voi possiate mettere davanti alla vostra casa la replica fedele dell’insegna del Bates Motel di Psycho.
La trovate su entertainment earth al prezzo di 26.99 dollaroni.

 5 Iron Man Movie Mark 1 Helmet Replica

Buttate via i soliti soprammobili polverosi e inutili che vi ritrovate in casa e piazzate tante belle repliche degli oggetti di scena dei film..ce ne sono centinaia..migliaia..alcune a prezzi accettabili mentre altre a prezzi assurdi. Io vi consiglio la replica della mitica Mark 1..il propotipo di Iron Man! Lo so…lo so…il fabbro amico di vostro cugino ve la può fare per 30 euro e riprende pure meglio le sbavature ma lui ve lo da il certificato di autenticità?? No cazzo! Tirate fuori la carta di credito e alla faccia della crisi spendiamo questi 312 Dollari qui..poche pugnette dai!

Spero di esservi stato di aiuto…buone feste a tutti dalla redazione di DTM!

La propensione ad unire fantascienza e sovrannaturale è un’opportunità che difficilmente ci si rifiuta di cogliere e se ancora oggi per molti è un matrimonio che non s’ha da fare, non si può surclassare il successo che hanno avuto pellicole come “Punto di non Ritorno” del 1997 di Paul W.S. Anderson, che ha molto in comune con questo “666 – Il triangolo maledetto”, (titolo puramente italiano, una soluzione pressoché indicativa anziché evocativa dell’originale “The Dark Side of the Moon”, “Il lato oscuro della Luna”), inoltre “Doom” almeno finché il concetto non è stato totalmente stravolto nella sua trasposizione cinematografica ed al livello metaforico potremmo scomodare “Matrix Reloaded” del 2003 dei fratelli Wachowsky, in cui nella figura di Neo ci si riferisce come ad un dio, anche se la componente spirituale non viene affatto approfondita e ad un mero livello concettuale e filosofico di onnipotenza a “Dark Star” di John Carpenter del 1974 in cui la bomba 20 si paragona a Dio e dice:”In principio era il buio e io venni dopo il buio. E luce sia!”

Il punto di non ritorno, in poche parole segna la dicotomia tra la precisa emozione che s’intende suscitare nel pubblico e l’effettiva risposta emotiva a tale stimolo, ad esempio in “Dark Star” (lo citiamo perché anche questo film appare come una cosa da studenti, è bene specificare che le due trame sono del tutto diverse), l’esperienza fu traumatica per Dan O’Bannon che aveva in mente una commedia divertente e invece alla prima notò che nessuno rideva. In questo caso l’intento era di spaventare il pubblico, ma non sappiamo se il regista D.J.Webster e gli sceneggiatori Carey e Chad Hayes, ne siano rimasti al pari sconvolti, è certo che se per il primo decidere di orientarsi successivamente allo sgomento, al terrore e logicamente all’Horror, ha fruttato ottimi risultati in seguito, nel secondo non potremmo mai conoscere l’esito di una scelta opposta, cioè il dedicarsi alla commedia, da parte peraltro di un regista, la cui unica pellicola oltre la presente, è un video musicale nell’anno successivo dal titolo “Guys Nex Door”.

Assodato che già nel 1990 non ci spaventava davvero per un film del genere, non possiamo negare le qualità a dispetto del basso costo, e sia, bacchettiamo le mani per una vaga ed accennata esplosione del corpo, che sappiamo già a chi appartiene di diritto, ma come B-movie è un degno rappresentante della sua stirpe, in fondo nonostante qualche tastiera Commodore-epoché (termine coniato per indicare l’epoca antecedente i pc), la vaga anemia tecnologica che implica abusi di pronomi, quali parti, componenti ed elementi, pur di non dire come si chiama un pezzo che in un’astronave ha una funzione ben precisa, le ingenue battute come “Hai aggiustato i connettori?” ed il monitor che ci mostra le interferenze in una lunga sequenza di zero ed uno, quasi una persona parlasse direttamente in linguaggio macchina, tutto questo non fa che riportarci all’età in cui i computer cozzavano meno con la fantascienza, proprio perché erano più lontani dall’uomo, non a caso “Matrix” è incomprensibile quando la vediamo in codice ed è ovvio che non avremmo ottenuto lo stesso effetto se fosse sbucato il logo di Windows e le icone colorate, ma un’interessante opzione opera un cambio di rotta, unisce l’utile al dilettevole per così dire, nella figura di Lesli (Camilla More), un computer di bordo dalle sembianze di una gelida donna cyborg, come se Mother e Ash fossero fusi in unica entità, una trovata forse anche innovativa rispetto ai successori che sette anni dopo in “Alien la clonazione” al massimo hanno prodotto un cambio di sesso con il “Father” della nave Auriga.

Un ultima critica va mossa nei confronti dei “relay”, sono i componenti meno tecnologici dell’elettronica, eppure sono molti i b-movie che ne parlano, che si sappia a cosa servono o meno, già il fatto che quelli di uno shuttle possano essere utilizzati su un’astronave del 2022 lascia perplessi, se non altro permettiamo che si usi il termine per indicare qualcos’altro, in effetti così accade, ma sono molti i film anche recenti in cui potremmo ispezionare questo tipo di storpiature.

Nel complesso 666 è un gioiellino nel suo genere, non un capolavoro, ma una storia interessante se ovviamente presa con la dovuta apertura mentale (ma niente di tanto meno sfacciato di “Punto di non ritorno”), che non abusa di effetti speciali che non potrebbe altrimenti sfoggiare e che fa fruttare quelli che non rilevano debolezze, con pochi personaggi di cui ci viene descritto a grandi linee quello che serve sapere, sorretti da recitazioni plausibili se pur spigolose, come quelle di Paxton Warner (Joe Turkel – identico anche in Blade Runner) e Dreyfuss Steiner (Alan Blumenfeld) le cui ansie ben incastonano le paure che difficilmente si fanno notare, le altre sono pressoché passabili, difficilmente Giles Stewart (Will Bledsoe) a cui purtroppo tocca il ruolo del protagonista.

E’ possibile che lo stesso identico film possa essere amato od odiato, ciò non toglie che la stessa introversione se pur meno claustrofobica che altrove tenderebbe a penalizzare il conseguirsi degli eventi in un soggetto ben più ricco, qui faccia da risonanza arricchendo così una pellicola che spesso ricade su se stessa in poche battute non del tutto congeniate, fornendo così un succedaneo ad un soggetto meno denso d’atmosfera, un’alchimia, enfatizzando il termine, con il quale questa piccola regia regala momenti interessanti di fantascienza, di mistici cammei e di sospetti in stile “La Cosa”, non nell’aspetto, ma nella situazione di chi è l’alieno e l’alieno è chi, fino a quella che sarebbe potuta essere un ottima citazione conclusiva, riprendendo il titolo originale “The Dark Side of the Moon”, l’omonimo album dei Pink Floyd, nel quale nel brano “The Great Gig in the Sky” (fonte wikipedia) il testo recita “I’m not frightened of dying, anytime will do, I don’t mind… Why should I be frightened of dying? There’s no reason for it, you gotta go sometime” (Non ho paura di morire, in qualsiasi momento capiterà, non m’importa… Perché dovrei aver paura di morire? Non ce n’è ragione, prima o poi te ne devi andare.)

Supporto visionato: VHS – Medusa Film – Italiano – uscita 21/12/1999

Battuta da ricordare: “…sta fermo! Giuro su Dio che l’userò!”, “Oh, giusto, giura su Dio, ma lui non ti può aiutare ora, tu appartieni a me, tu schifoso piccolo sporco uomo!”

Scena da ricordare: Alex McInny (Wendy MacDonald) posseduta, nella scena della seduzione.

Consigliato a: Chi non denigra il connubio Sci-Fi/Supernatural

http://www.youtube.com/watch?v=jrn3oazv8_I

Il disadattato e brutto come la fame Martin, custode notturno in un garage, è un fan accanito di The Human Centipede e passa le notti chiuso nel suo gabbiotto a guardare e riguardare il dvd del film eccitandosi a livelli celestiali (che lo portano a tirarsi le seghe con la carta vetrata) fino a fare maturare all’interno della sua mente l’insana idea di creare un millepiedi ma non con tre miseri esseri umani legati tra loro ma dodici! Grazie alla sua totale apatia ed al suo inseparabile quadernone di appunti che porta sempre con sè come un bambino farebbe con il suo album di figurine, Martin cattura ad una ad una le sue vittime e crea il suo personalissimo mostro.

Questa a grandi linee è la trama del film, non ci discostiamo tanto dal primo capitolo visto che l’obiettivo finale resta quello della creazione del millepiedi ma questa volta il protagonista non è un chirurgo impazzito ma un malato di mente disadattato come pochi che si fa ipnotizzare dalla visione del film originale..non a caso quella di condizionare le menti più deboli e malleabili a compiere atti di violenza è una delle maggiori critiche fatte a Tom Six dopo l’uscita del primo film e lui, in maniera molto intelligente, l’ha usata a suo beneficio. Il vero distacco viene dall’uso della fotografia che passa da quella classica europea stile telefilm tedeschi inguardabili del primo capitolo ad un bianco e nero sporco e poverissimo. La scelta del bianco e nero credo sia stata un obbligo per Six a favore di una censura più permissiva ma si rivela una scelta azzeccatissima.

Il nuovo George Clooney

Il buon Tom questa volta ha deciso di caricare la dose di violenza e cattivo gusto, aiutato dal fatto che quella blatta umana di Marvin non ha alcuna conoscenza in campo medico vediamo la sua operazione chirurgica molto più problematica di quella pulita e clinica del Dr. Heiter. Martellate nei denti, sforbiciate nei tendini del ginocchio e chiappe scarnificate danno non pochi problemi al povero Martin che, dopo aver fatto morire alcune delle sue vittime, trova la scorciatoia per la famosa liaison bocca-culo con una pratica puntatrice da legno. Una delle scene principali del primo film ci mostrava come fosse problematico il defecare in una situazione del genere visto che si era costretti a cagare in bocca al compagno di disavventura e così via..una critica che avevo mosso nella mia precendente recensione era che questa scena era troppo pulita e contenuta…bene…a quanto pare Tom Six ha deciso di farsi perdonare perchè questa volta di merda ragazzi ne vola parecchia e grazie a generose iniezioni di lassativi si vede tanta tanta pupu sbrodolare dalla bocca dei malcapitati fino a schizzare sulle pareti e sull’obiettivo della camera. Menzione speciale per la scena con la donna partoriente in fuga, non voglio svelare di più perchè merita di essere vista in quanto totalmente gratuita e palesemente colpita dalla censura.

Ultimo ma non meno importante per la riuscita di questa pellicola è Laurence R. Harvey che interpreta Martin. Attore non professionista scovato chissà dove da Six regge bene il film aiutato soprattutto dalla sua fisicità assurda e disturbante che ricorda troppo le clip alienanti del CinicoTV di Ciprì e Maresco.

In definitiva posso dirmi soddisfatto da THE HUMAN CENTIPEDE 2 (Full Sequence), non è certo un film per tutti ed è giusto che si becchi anche gli attacchi feroci della critica ma quando un film fa discutere è sempre motivo di interesse..secondo me. Tom Six ama spiazzare e fare scandalo e noi aspettiamo a braccia aperte il capitolo finale del millepiedi umano.

Consigliato a: amanti del genere splatter estremo

Scena da ricordare: il taglio dei tendini del ginocchio

http://www.youtube.com/watch?v=okZZca4EfAQ

Atipico è il termine che solerte balza nella visione di questo film e così forse gli intenti del produttore esecutivo Sean Cunningham (che concepì il film originale) vengono in parte ripagati, anche se atipico e stupefacente non collimano perfettamente come sinonimi. James Isaac invece regista (La casa 7, Skinwalkers) voleva un film divertente, innovativo, pieno di citazioni e gore, i cui sforzi sono stati anch’essi in parte ripagati. Tuttavia non si possono tirare le somme frettolosamente, anche se chi ama Jason Voorhees sarà indubbiamente affascinato dalle idee, gli stratagemmi, anche originali con i quali vita imperat, ad un personaggio che di per se non muore mai.

E’ bene non supporre troppo, ne dedurre in merito la questione delle date, il perché è di seguito spiegato: Per gran parte del film viene scandita più volte la data 2455 e lo stesso professor Lowe (Jonathan Potts) parla di Rowan eccitato dal fatto che un esemplare di 455 anni possa camminare e parlare, la domanda da porsi è 455 anni da quando, dalla data di ibernazione? Oppure parliamo di 455 anni compresa l’età del soggetto? Poi Rowan dice che la prima volta che tentarono di uccidere Jason fu nel 2008, anche così se togliamo i 455 anni alla data odierna abbiamo 2000, cioè Jason è stato ibernato otto anni prima che tentassero di ucciderlo?

Nella fase del ritrovamento ci viene spiegato che l’unità criostatica è un manufatto del 2010, indi combacia con la versione di Rowan ma non con questi fatidici 455 anni, siamo nel 2465? Perché altrimenti non è possibile che l’ibernazione sia avvenuta dieci anni prima che fosse costruita la macchina criostatica. Del resto la questione temporale non è sempre la portante, rammentiamo le palesi incongruenze nel “mission time” di Aliens, strizzando l’occhiolino agli appassionati.

Una serie di titoli sguscia tra le membra di Jason se vogliamo ricorda “Alien la clonazione”, in effetti è forzatamente facile notare qualche lieve similitudine con questa saga, anche per la solita questione del profitto sopra la vita dell’equipaggio, non è un debito certo ed è banale a volte vedere qualcosa là dove non c’è e affiorano debolezze, che possono passare inosservate ben poche volte riguardo la computer grafica. Indubbio l’impegno per rinnovare un personaggio che dal 1980 è caro allo slasher, sopratutto facente parte di una saga famosa e che spesso ha deluso gli amanti dell’Horror, notevoli i punti di contatto di questa trama avvincente sulla carta (meno sul video) con i vecchi episodi, uno su tutti il finale ed una divertente scena olografica con le campeggiatrici, divertenti e interessanti anche altre trovate, purtroppo supportate sempre da una grafica digitale zoppicante.

Va detto che il film ha fatto un buon uso dei 13,1 milioni di dollari a fronte di un budget di 13,5 (fonte: wikipedia), al che ci si chiede se i 400.000 rimasti non li si poteva impiegare per una CG meno altalenante nel presentare le nano-macchine, ma sopratutto le navicelle spaziali che oltre ad essere davvero brutte, (sembra di assistere all’atterraggio di una lampada da tavolo o di un’antenna tv) le troviamo in un piano sequenza teatrale che poteva sussistere solo se sovrastato dalle tenebre, per il resto è come guardare episodi meno riusciti di Star Trek.

Lasciando all’immaginazione il come Jason è stato catturato, ritroviamo con piacere David Cronenberg in un cammeo e da suo desiderio extra-pellicola appare esclusivamente per essere ucciso da Jason.

Il motore del film è il dinosauro Jason che riprende il suo vecchio hobby e massacra senza problemi i membri dell’equipaggio, non importa se si trova nel futuro, gli basta il machete, come il ridicolo Lowe ci conferma con :” Ragazzi, voleva solo il suo machete!” Ridicolo perché è irritante la spiegazione spicciola sul perché la terra è morta, con “l’oceano, il suolo non reggevano più la vita”, non si può chiamare la fantascienza e disimpegnarla in due parole solo perché tanto quel che conta è squartare. Eppure tolto il contestabile come ologrammi davvero troppo malleabili anche per il futuro e piccolezze curiose come “Ha subito nano-tecnica fase uno della ricostruzione cellulare” di Kay-Em 14 (Lisa Ryder) nel ritrovamento di Rowan, quando le nano-macchine sono tecnologia di 455 anni dopo, è facile trovare il tutto a tratti noioso.

Non stiamo parlando ovviamente dell’orrendo “Halloween – 20 anni dopo”, come già accennato l’obbiettivo di portare innovazione, umorismo visivo (non molto nel dialogo) ha avuto i suoi frutti, ma sopratutto la mancanza di tensione si nota verso la parte centrale, da principio ci si assesta sul nuovo, sulla curiosità di capire come Woorhees si comporterà, sul finale assistiamo all’epilogo molto riuscito, nella parte centrale in cui Jason fa una carneficina, manca prima di tutto il metal dei Drowning Pool che invece è presente nel trailer ed ecco la nota dolente, la musica, forse è questa che non rende giustizia, non stride là dover Jason graffia, non urla là dove Jason affonda e non piange là dove Jason si compiace. In fondo sappiamo bene che se togliamo l’audio ad un qualunque horror, lo deturpiamo della suo carattere, la mancanza di brani da mattanza è il Jason che uccide se stesso.

Spero che nell’affermare l’unione tra fantascienza ed horror, non ci si sia presi troppo sul serio, perché a parte il non essere una novità, è importante che la fantascienza sia di secondo piano ad un horror rinvigorito, non la nuova veste dello stesso horror, anche se in fondo Jason sarà stanco di squartare sempre gli stessi teenager. E’ un buon film, ma la prima impressione è quella giusta e poiché ne il nuovo, ne il vecchio vengono adoperati a dovere, dovremmo tapparci le orecchie in mezzo ad una grande sparatoria muta, mentre il nuovo look di Jason e i suoi occhi dicono quello che le note accarezzano appena, le sue vittime anche se non offrono recitazioni eccelse, muoiono con meno enfasi di quanto ci si aspetta da un gore.

Battuta da ricordare: Crutch (Phillip Williams): “Per tua fortuna non eri ancora nato quando ci fu il conflitto alla Microsoft, dannazione ce ne siamo date di santa ragione”

Scena da ricordare: Jason contro le campeggiatrici olografiche.

Consigliato a: Amanti e collezionisti sfegatati di Venerdì 13

http://www.youtube.com/watch?v=9Sv8eWDEFsM

Le sparizioni si ripetono e quando una bambina al distretto, dice che suo nonno è stato preso da un mostro fuoriuscito da un tombino, il tenente Bosch insieme a Shepherd, con delle foto trovate a casa di Cooper e del materiale tra cui un contatore geiger che segnala la presenza di forti radiazioni, appartenente a qualcuno della squadra dell’ente protezione ambientale, decide di incontrare la commissione per l’energia nucleare. Il dottor. Wilson (George Martin) nega qualunque forma di fenomeno e l’esistenza di qualunque creatura, successivamente si limita ad imputare la cosa a del materiale radioattivo che doveva essere trasportato attraverso Manatthan, ma che per via di un ordinanza giudiziaria giace sotto la città, tuttavia occulta l’esistenza di un progetto chiamato C.H.U.D. Il cadavere di una creatura umanoide mutante viene rinvenuta in seguito alla morte per asfissia dovuta al gas, Wilson cerca di chiudere il caso, ma quando membri della squadra dell’ente e dei poliziotti vengono attaccati nelle fogne, decide di sigillare la zona e di uccidere le creature convogliandovi del gas, mentre il tenente Bosch, tenta di fermarlo, Shepherd e Cooper scoprono la verità sul progetto e sul perché Wilson vuole ad ogni costo celarne l’esistenza.

Non è la prima volta che cercando una cosa se ne trova un’altra, per poi scoprire che è di quest’altra che si ha veramente bisogno. E’ il caso di questa pellicola di fantascienza del 1984, che sinceramente rischiava di sfuggirmi e che è un piacere riscoprire, ma non solo, si tratta di un cult dell’epoca (vinse il premio come miglior film fantasy al festival internazionale di Brussels) che oltre d’esser citato, come tutti i cult, è a sua volta una citazione di tanti film horror vecchio stile, con le classiche creature mutanti nate in seguito all’esposizione alle radiazioni di sostanze tossiche.

Partendo dal titolo che è un acronimo di “Cannibalistic Humanoid Undergound Dweller” e del più azzeccato “Contamination Hazard Urban Disposal”, scopriamo una storia che se pur già nota, supporta una sceneggiatura del tutto radicata nel circuito dell’intreccio ed apre la narrazione ad un’indagine parallela, il fotografo Cooper ed il cronista Murphy (J.C.Quinn) da una parte, il tenente Bosch e Shepherd dall’altra, non dimentichiamo Lauren Daniels (Kim Greist – Jill nel bellissimo “Brazil”) che apporta un terzo punto focale in cui scopre da se e affronta la creatura, potremmo dire che è una storia a situazioni contemporanee che si incrociano verso la fine.

Il doppiaggio e la colonna sonora a volte ci fanno perdere l’attenzione, è vero, ma dei buoni effetti speciali nei corpi smembrati riportano l’attenzione al suo posto, le creature appaiono qualche volta come quello che sono, uomini in costume con lampadine negli occhi, ma nulla di ridicolo.

Qualche dubbio sul tenente Bosch la cui moglie scompare, ma non sembra che la cosa lo turbi più di tanto all’inizio, Lauren investita da un gettito di sangue, idem il responso da parte sua e per ultimo il fatto che chiunque, sembra abbia una botola in casa che porti direttamente nella fogna cittadina.

E’ un film simpatico che ricorda il passato, inutile e irritante cercarvi il livello e la profondità della protesta ambientalista quando proprio il passato ci racconta che la cosa era al servizio della storia e nulla di più (ad esempio “Le colline hanno gli occhi”), inoltre mi chiedo perché, come ho letto da qualche parte si inneggi la presenza di John Goodman che fa poi una sola apparizione. Un piccolo apprezzamento lo merita l’ambiente dei barboni e i barboni stessi, che fungono ovviamente da legame tra la città ed il sottosuolo, che sono protagonisti, antagonisti e che all’inizio del film con due semplici battute ci regalano uno spaccato della loro cultura, Tim Burton avrebbe senz’altro evidenziato il contrasto tra le due società, quella superficiale con le sue ipocrisie e quella sotterranea con la sua genuinità.

Battuta da ricordare: “…mi rimane così poco tempo da vivere e ancora così tanto da bere…”, “I socialisti sono la rovina del paese, li trovi dappertutto, stanno conquistando il mondo e nessuno reagisce, nessuno si preoccupa di arginare questa piaga.”

Scena da ricordare: Cooper e Shepherd nella fogna.

Consigliato a: Chi non ne ha mai abbastanza del filone nucleare/radiazione/mutazione.

http://www.youtube.com/watch?v=WqDToaLuJ7I

Dunque, se questo film è rivoluzionario e innovativo, io sono Hugh Hefner…Innovazione tecniche, perdonatemi, non ce ne sono. Magari l’uso dei colori è interessante (il film è un’orgia cromatica) e da questo punto di vista c’è stato un grande lavoro, pregevole e raffinato. Il problema è che gli ambienti sono palesemente finti, hanno una consistenza terribilmente digitale, da videogioco, e gli attori sovente manco ci sono ben integrati. Il passaggio da una scena a l’altra segue una trovata alla lunga fin troppo ripetitiva, e perfino, anche questa, già usata. Non è la prima volta che la vedo, questo è poco ma sicuro.

Purtroppo gli attori, tutti, sembrano domandarsi dove diavolo sono andati a finire. Sono spaesati, non solo perchè costretti a muoversi tra i green screen, ma anche perchè gli vengono messe in bocca battute di una povertà e scontatezza incredibili. Non è che fare un film per tutta la famiglia significhi offrire personaggi da encefalogramma piatto. Si vede dai, i Wachowski possono usare tutta la tecnologia che vogliono, ma non è grazie a quella che si arriva ad avere il tocco per tratteggiare personaggi pieni di vita. Ci sono anche momenti orribili, di pura spazzatura, come i combattimenti corpo a corpo, oppure le bravate del ragazzino odioso con la scimmia. Orribili, davvero, mi dispiace ma è impossibile che qualcuno osi difenderli.

Il film è poi lungo, noioso, è stata un’agonia arrivare fino alla fine. Salvo pochissimo: l’uso dei colori, come già detto, e qualche momento riuscito (il sogno ad occhi aperti in classe di Speed bambino; l’innamoramento di Trish, dove gli elementi dello sfondo diventano, sfocando, tanti cuoricini; e qualcosa della corsa finale, che offre qua e là buon delirio visivo…), boccio completamente la sceneggiatura, pessima, la recitazione (mi dispiace, anche Emile Hirsch, come tutti gli altri attori del resto, non convince affatto), la CGI da videogames e la durata eccessiva.

Mentre uscivo dalla sala pensavo ad una cosa, e cioè quanto un film come “Tron” (dell’82 signori) appaia, ancor oggi, molto più innovativo e visivamente attraente di questo polpettone malriuscito e indigesto figlio di ambizioni puntualmente disattese.

Consigliato a: chi crede di essere dentro Matrix, visti certi film “incredibili” che circolano…

http://www.youtube.com/watch?v=CMV9UOF9FcU

Se il vostro sogno è realizzare un film tratto da un fumetto Marvel ma non volete mai leggerne uno realmente sappiate che potrete farlo senza problemi. Infatti ci è riuscito il regista di questa improbabile pellicola: quel Brett Leonard che anni prima ci ha regalato “Il tagliaerbe” con Pierce Brosnan. Tratto da un’acclamato fumetto della Marvel scritto per anni da un “signor” sceneggiatore di fumetti quale Steve Gerber, la pellicola – scritta da Hans Rodinoff, autore di una recente (e bruttissima) incarnazione del personaggio, si differenzia da altre produzioni targate Marvel proprio per non avere niente in comune con le pagine da cui è tratto. Seriamente, non c’azzecca nulla. Il personaggio di Man-Thing nacque nel 1971 sui già citati fumetti Marvel e narrava la storia di un biochimico che si ritrovò, per un’incidente, tramutato in un mostro che sorvegliava la sua palude e combatteva “il male”. Bene, nel film – mettetevi l’anima in pace – il personaggio non appare e viene relegato ad una veloce apparizione negli ultimi 5 minuti dove passa pure per il villain della situazione.

Improbabile ed estremamente noioso, se riuscite a rimanere con gli occhi aperti e ben coscienti fino alla fine, potrete godervi il Man-Thing del titolo ben realizzato con la computer grafica: l’unica nota positiva della pellicola. Ma per ricevere questo premio dovrete passare tramite dialoghi incredibili (sembrano scritti da un ragazzino di 9 anni), effettacci ed effettini, un pò di sangue versato qua e là, attori che recitano come cani, lunghe sequenze con una noiosissima musica in sottofondo, un montaggio fatto con il fondoschiena e, dulcis in fundo, la più stupida storia d’amore mai vista in un film. Certo sarà difficile ma se riuscite nell’intento alla fine potrete vedere il mostrone: mica pizza e fichi!

Se invece – inesorabilmente – dopo una ventina di minuti starete già nella fase REM, sappiate che qualcosa del film vi rimarrà ugualmente: nei primi tre minuti di pellicola assisterete ad una scena di sesso che si trasformerà in una scena splatter. Eh sì, è la scena migliore del film.

Scena da ricordare: il Man-Thing che appare sul finale della pellicola

Frase da ricordare: “Tu morirai!”, “Come no! E suppongo che sarai tu ad uccidermi, vero?”, “(riferendosi a Man-Thing) No…Lui…”

Consigliato a: chi ha bisogno di una “ninna nanna” per addormentarsi

http://www.youtube.com/watch?v=9v8iBgtkMpY

Sono sicuro che chiunque sia un grande cultore delle saga di “Alien” abbia imparato con gli anni ad amarla e nel contempo odiarla un poco. Questo perché quando un’idea è molto buona, quando un concetto di alieno è così “alieno” alla visione che chiunque altro abbia mai avuto, accade che tutto quello che si cercherà di fare dopo sarà sempre riferito in qualche modo a quel concetto, quell’idea portante sarà il termine di paragone. Un po’ come quando in una famiglia, indipendentemente da quello che un figlio fa e dal percorso che sceglie, se gli va male non è come suo fratello e se gli va bene è perché segue le orme del fratello.

Un prologo dovuto come scusa, per l’eccessiva monotonia nello scomodare sempre l’opera sopra citata e questa pellicola del 1985 è quasi impossibile da estrapolare da questo contesto, poiché molti sono i rimandi alla, chiamiamola “saga più fortunata”. Detto questo, arrivare dopo non è una ciambella di salvataggio e se un film ha le sue colpe non ci si può far nulla, un cast che non brilla più di tanto e recitazioni stanche, un dialogo dei peggiori, effetti speciali malconci e “qualche” scena ridicola, il tutto supportato da una regia al quanto anemica.

Ma procediamo per gradi:

La squadra della NTI è composta dal comandante David Perkins (Lyman Ward), il capitano Mike Davison (Stan Ivar), l’addetta alla sicurezza Melanie Bryce (Diane Salinger), Beth Sladen (Wendy Schaal, presta la voce a Francine Smith nella nota serie American Dad!), il dr. Wendy H. Oliver (Annette McCarthy), Jon Fennel (Robert Jaffe) e Susan Delambre (Marie Laurin). Sbirciando nei curriculum troveremo delle partecipazioni di questi attori in qualche episodio di Dallas, Matlock, Melrose Place, Beverly Hills 90210, A-team, ecc.
Ovviamente non fatevi un’idea sbagliata, perché hanno anche recitato in film onorevoli e altre serie, ma il motivo per cui ho segnalato queste parti (in alcuni casi apparizioni in solo uno o due episodi) è che la recitazione nel film ricalca esattamente quella da serie televisiva, una scena su tutte è quella in cui Jon parla con Susan dinanzi all’oblò da cui vedono Titano, lei è chiaramente preoccupata, lui racconta che adora le stelle, gli ricordano di quando era in Michigan e lei dopo un po’ lo guarda e dice:”Facciamo l’amore, ti prego”, praticamente “Uccelli di rovo” versione Sci-Fi.

In parziale difesa bisogna ammettere che il doppiaggio italiano e l’audio sono terribili, non tanto il doppiaggio che imita alla perfezione la pessima recitazione, ma la totale soppressione dei rumori di fondo, temporali, scariche, ecc, che lasciano il dialogo totalmente scarno e spaesato, così la colonna sonora deperita e già provata dall’attenuazione, non riesce proprio a compensare. L’unico sopravvissuto della nave tedesca, Hans Rudy Hofner (Klaus Kinski) lo è anche della pellicola perché la sua è la migliore prova in assoluto, purtroppo anch’egli non è immune ad un dialogo davvero troppo elementare, inoltre “curioso” usando un eufemismo e vi cito due esempi di quello che lo sceneggiatore fa dire a Davison:

Hofner ci prova con Bryce che si ribella e gli punta l’arma contro, successivamente Davison lo avverte: ”Poteva anche ucciderlo lo sa?” (forse ucciderla)

Davison nota le armi di Bryce e dice:” Ora dovremmo chiedere un passaggio ai nostri vicini e quelle rimangono lì! Andiamo a chiedere aiuto, non in guerra!” (forse andiamo in pace, non in guerra, oppure andiamo a chiedere aiuto, non a cominciare una guerra).

Veniamo poi agli effetti speciali, non eccelsi, anzi il tutto si può ricondurre ad una vecchia puntata di “Star Trek” e mi chiedo se dietro le porte scorrevoli ci fossero due addetti (indovinate in quale altra serie hanno recitato alcuni attori) e poi all’alieno che assomiglia molto al noto xenomorfo. Per essere sinceri questo alieno è esteticamente molto simile anche se meno snello e molto goffo, ma mentre in “Alien” si parla di una bestia puramente istintiva, qui l’alieno è razionale, può complottare ed i suoi parassiti servono per manovrare gli umani morti e trasformarli in zombi con cui attirare gli altri in trappola. Simili gli ambienti dell’astronave (ma non l’astronave), nonché la rottura nell’atterraggio, simili alcuni comportamenti e personaggi, Davison/Dallas e Susan/Lambert, sopratutto nella scena già citata, in entrambe le pellicole è la prima ad essere turbata da quello che l’aspetta, simile e malriuscito il tentativo di adoperare il buio che finisce col mostrare l’alieno nella stessa identica maniera e simile la scena dell’espulsione forzata dello stesso.

La regia di William Malone è pigra e per due terzi del film accade poco, l’ansia e la tensione, il senso di claustrofobia sono assenti, forse perché Malone non ha avuto l’idea (ma tante altre) di segare il set ed abbassarlo, come fece Ridley Scott pur di rendere l’ambiente più costrittivo.

In fine arriva l’azione, l’inseguimento, il massacro, anche con dello “splatter”, ma ormai non c’è più nulla da fare, perché la recitazione, i dialoghi, la trama e quanto di più sbagliato ci possa essere hanno già ucciso lo spettatore, se non per qualche appunto ridicolmente ingenuo, come Davison (sembra che lo sceneggiatore lo odi) che chiede a Sladen di costruire una trasmittente mettendo insieme dei pezzi che ci sono in astronave, ci si chiede con che cosa comunicassero prima, bicchieri col filo forse. Scazzottate sempre con regia da serie tv, scariche elettriche in pura animazione e dulcis in fundo, il mostro che è a terra e Sladen che gli si avvicina a dargli dei colpettini per vedere se è morto. Non dimentichiamo in fine, che ogni volta che un personaggio è senza casco nell’atmosfera di Titano, 98,4% di azoto, 1,4% di metano e 94 gradi Kelvin, ovvero -179,14 °C, qualche colpo di tosse è il massimo della reazione prima di morire.

Non è un film per tutti, è estenuante, non per le metafore o gli elementi simbolici da cogliere, ma perché è terribilmente stancante riuscire a seguirlo con i personaggi che si muovono in una densa atmosfera che eguaglia al massimo una puntata dell’ispettore Derrick.

Probabilmente se “Creature” fosse uscito nel 1979 ed “Alien“ nel 1985, molti di noi sarebbero rimasti meno disgustati, ma così non è, il film è nato con molta responsabilità alle spalle ed è stato girato in totale incoscienza, con attori fuori posto che parlano in stampatello, diretti male e un’idea di fondo che se pur con tutte le contromisure, non brilla certo di originalità.

Una curiosità, sembra che la trama sulla confezione del DVD corrisponda per fortuna a quella del film, ma c’è un errore nella stessa, prima si parla della tedesca Richter Dynamics e poi della scoperta di una navicella russa.

Battuta da ricordare: Beth Sladen: “Ho visto un film una volta, un gruppo di persone era intrappolato in una stazione spaziale da un essere di un altro pianeta” (una delle battute più cretine)

Scena da ricordare: Susan che uccide Jon

Consigliato a: Appassionati di fantascienza che non hanno timore dei cloni dei film riusciti.

http://www.youtube.com/watch?v=WnwUEdwelas

Con tutti i possibili piedi nella fossa, questo film non poteva di certo essere brillante e, soprattutto, guadagnare un botto al botteghino. E infatti fu un flop assurdo e la gente non lo apprezzò. Come viene definito spesso è una pellicola che non sa a chi mirare: adulti? Bambini? Il risultato è pessimo e rimane troppo adulto per i bambini e troppo bambinesco per gli adulti. E cosi ci ritroviamo a dover assistere ad uno scempio di prima categoria su un piccolo papero che si atteggia come un ninfomane e finisce a dover affrontare una battaglia finale su un deltaplano.

Ma c’è qualcosa all’origine di tutto ciò: un fumetto Marvel. Infatti Howard il papero nacque sulle pagine dei fumetti Marvel da Steve Gerber – uno dei migliori sceneggiatori degli anni passati – e posso affermare che il film non c’azzecca nulla con il fumetto. Ma questo si percepiva sin dall’inizio.

Indigesta oppure no, la pellicola è diventata comunque un cult e i ragazzini degli anni ’90 (soprattutto in Italia) si ricorderanno vagamente della pellicola perchè trasmessa spesso da reti in chiaro nelle giornate d’inverno. Se proprio dobbiamo essere pignoli…Non è poi cosi brutto…Uno sguardo glielo darei se fossi in voi.

SCENA DA RICORDARE: Tutta la sequenza iniziale di Howard sul suo pianeta natale

BATTUTA DA RICORDARE: “Se Dio avesse voluto farci volare…Non ci avrebbe fatto perdere le ali!”

CONSIGLIATO A: i Marvel-maniaci e i bambini dentro

http://www.youtube.com/watch?v=SzI-ZbcK_sw

http://www.youtube.com/watch?v=arKpdxjHamI

AVVISO PER I GENTILI LETTORI..QUESTO ARTICOLO NON E’ UNA VERA E PROPRIA RECENSIONE MA UNO SFOGO ACCORATO.

I soliti idioti entra ufficialmente nella mia personale classifica dei film più brutti e vergognosi di sempre (e di merda ne ho vista tanta eh! Pile di cagate di balenottera azzurra da me selezionate con indefesso masochismo) . Non fa MAI, e dico MAI, ridere e quei due sono dei miracolati da guinness dei primati (nel senso di mammiferi superiori con quattro estremità prensili). Doppiamente colpevoli perchè illusi di aver creato chissà quale pungente e arguta satira di costume. Mandelli e Biggio avete fatto un film che fa schifo, i vostri personaggi fanno pietà, non sapete recitare, meno che mai in ruoli brillanti, il vostro umorismo ha la forza comica del reattore di Chernobil durante il 26 aprile 1986. Scendo al vostro livello e aggiungo, continuando a non far ridere come voi, che fate così schifo che se un maiale vi mangia la testa poi si lecca il culo per rifarsi la bocca.

M’avete fregato otto euro (e il coglione so’ io perchè avevo tutte le prove per aspettarmi questa mattanza!), otto euro!…Che poi nessuno in sala si divertiva, nessuno (tranne qualche ragazzino di 10-11 anni che ridacchiava timidamente soltanto perchè entrato al cinema con l’idea di farlo, quindi non poteva deludere se stesso)! Otto euro buttate via. Eh, purtroppo il pubblico italiano a volte sa essere coglione. Sentiamo l’odore della merda, ma non resistiamo alla curiosità (non si sa bene per cosa però) e quindi deliberatamente andiamo a pestarla, scalzi. E pesta qui pesta là, questa pigiatura vecchia maniera che si occupa di grossi pezzi di stronzo piuttosto che d’uva, produce litri di liquame da stoccare nelle damigiane del successo commerciale…

http://www.youtube.com/watch?v=tYTIo6H19uw

Alcuni film saranno anche brutti, ma a volte l’umorismo involontario aiuta a sopportarli fino ai titoli di coda. Sei consapevole di aver visto una ciofeca ma almeno i tanti sghignazzi ti hann fatto passare un po’ di tempo in allegria. Beh, non è questo il caso.

L.A. Underground è un “action-thriller” di noia mortale, di fiacchezza assoluta e di scemenza rara. Inoltre, cosa che aggrava la sua condizione non certo rosea, è che tenta disperatamente di essere figo e tosto come alcuni polizieschi blasonati di ultima generazione (magari il regista aveva in mente Michael Mann e Joe Carnahan…peccato che nella sua mente, e chiusi ermeticamente, tali nomi siano rimasti). No, veramente, è imbarazzante oltre ogni dire questo gruppo di scemi che sembrano un ibrido mutante tra gli sgallettati di Melrose Place e i più miserevoli stereotipi del genere usciti di prepotenza da qualche serial televisivo di quart’ordine. E poi è un film prevedibile, mio dio quanto è prevedibile, nel momento in cui la vicenda si tinge di thriller è impossibile non azzeccare l’identità del killer, è impossibile, a meno che non si dorma pesantemente già dal primo quarto d’ora (anzi no, anche se lo si fosse fatto sarebbe comunque impossibile non indovinare la soluzione del caso, una volta svegli).

Regia gravida di imperdonabili slanci videoclippari, con tutti gli effettacci estetizzanti del caso. I dialoghi, nel loro scimmiottare il tosto e colorito linguaggio poliziesco, fanno quasi tenerezza (attenzione perché il regista, autore anche dello script, non si risparmia e decide di essere l’artefice di un doppio danno) e la caratterizzazione dei personaggi è presa direttamente dalla nota guida “Cliché per me, cliché per voi, cliché per tutti”.

Segnalo una scena di sesso un po’ gratuita a circa metà film, un buon momento per alzare temporaneamente le palpebre (ma non eccitatevi troppo, niente di esplicito e stuzzicante) e un po’ di tette al vento nella specie di bordello che vediamo verso l’epilogo.

Interprete di spicco di questa necessaria opera è Eric Mabius (nella parte di Danny. L’attore ve lo ricorderete senz’altro in Resident Evil e nel telefilm Ugly Betty), toccata e fuga per Edward Furlong ( Gary, il membro del gruppo che viene assassinato) che, poretto, sembra proprio fatto e piccola parte per Mark Boone Junior, il corrotto detective Flass di Batman Begins.

Consigliato a:… tutti quelli che hanno una pattumiera.

http://www.youtube.com/watch?v=8x_1U2sM34c

Affinché un prodotto sia certificato non basta che lo siano i suoi componenti, se compro un manico di legno a norma di legge e una testa di ferro biforcuta a norma di legge, ottengo un martello, ma non a norma di legge, a meno che qualcuno lo certifichi come tale nel suo complesso. Un esempio scialbo per dirvi che se prendo un po’ di questo e un po’ di quello e li metto insieme, non è detto che ottenga un prodotto di qualità, magari ottengo un cosa che non appare come un martello, anche se uso lo stesso materiale per farlo, ma sempre come un manico di legno ed un testa di ferro.

Questo è quello che accade in questo film, ovviamente non si può dire che data la presenza delle mummie e di un locale con spettacolo notturno a sorpresa, si sia copiato spudoratamente, ma l’idea permane e come dice il celebre aforisma: ”Se tu hai un’idea ed io ho un’idea, e decidiamo di scambiarcele, dopo ognuno di noi avrà due idee. Se io ho un dollaro e tu hai un dollaro e ce li scambiamo, dopo lo scambio abbiamo sempre un dollaro a testa”. Ebbene qui sono riusciti a scambiare le idee come i dollari, perché nello scambio non abbiamo guadagnato nulla.

Premesso che troverete in questo film molti volti noti ed interpretazioni passabili, il deserto sulla pellicola è una buona metafora, perché ci troveremo con la gola secca, là dove la leggenda dovrebbe colmare, ci lascia con l’amaro in bocca, là dove il dialogo deve mantenere vivo l’interesse, per una gran parte dei personaggi non ha nulla da dire, là dove la regia ci dovrebbe dissetare è solo un miraggio e là dove il makeup, gli effetti speciali e l’azione se la cavano abbastanza salvo qualche eccezione, la bisaccia è troppo sforacchiata per compensare.

Puntualizzando che in fondo non è un horror inguardabile e che qualche punto a favore che delineeremo in seguito c’è, la regia che li sostiene è un po’ fiacca, ci saranno delle scene inutilmente prolisse e delle risate malefiche o meno, anch’esse interminabili e forzate. Generalmente non è bene analizzare il film troppo minuziosamente per non rovinare (ancor di più se possibile) la pellicola a chi non l’ha visionata, così mi soffermerò solo sulle ovvietà della prima parte e sui nei della seconda. Abbiamo un’introduzione che serve a stabilire gli elementi chiave del film, due vecchi cercatori d’oro avidi, il tesoro maledetto, il medaglione, colui che prenderà le loro vite giungendo a cavallo con il sole alle spalle. (Forse vi potrebbe fare paura, perché fino all’ultimo lo scambierete per Zorro.)

Dopodiché avremo i titoli che ci trasporteranno al presente, anche se non è chiaro quanto tempo sia passato tra il primo ed il secondo evento, lo desumiamo dagli indumenti, ci basti l’idea che questo è quello che succede sempre, non importa il quando. Un furgone carcerario incidentato e dei criminali che ne approfittano per fuggire, ma dato che ci si trova in un deserto, almeno sapere come un furgone in mezzo al nulla possa avere avuto un incidente e non del tipo “si buca una gomma” o “è finita la benzina”, ma una vera e propria uscita di strada come quella presentata, ci avrebbe fatto comodo, ebbene anche qui ci basti l’idea e non so come potrebbe del “succede sempre”.

Ma tralasciando i dettagli, i cinque galeotti uccidono una guardia e prendono in ostaggio l’altra, ovvero Lacy (Cerina Vincent – Cabin Fever) che è il primo punto a favore, ma anche a svantaggio, perché cinque carcerati che guarderebbero con desiderio anche una lavatrice, riescono perfettamente a controllarsi di fronte ad una donna bella e prosperosa, anzi quando Zeus (Max Perlich) ci prova agguantandola di brutto, gli altri lo trattano da maniaco, il capo Rock (Matt Schulze – Il Chupa di Blade 2) gli punta il fucile, mentre gli altri aiutano Lacy a rialzarsi, uno addirittura la spolvera delicatamente, forse è perché gli ha confessato di essere in realtà Cerina Vincent. Il viaggio nel deserto, un po’ lungo forse, da il tempo alla musica di alzare il tenore e non viceversa, sino a che Andrew Bryniarski ( Lo ricorderete in Street Fighter – 1994), decide di lasciare i compagni per fare un’ignominiosa figura. Un vecchio Apache (Danny Trejo – Dal tramonto all’alba) ci racconta una leggenda che spinge il motore di tutto il film, purtroppo non ci viene spiegato perché degli ispanici si prendono la briga di fare degli schiavi per estrarre grandi quantità d’oro dalle montagne del Guachapa, poi lo vanno a seppellire nel deserto, un po’ come i cani che disseppelliscono un osso e lo seppelliscono da un’altra parte, ma nella leggenda sono più evoluti, infatti incaricano persino sette preti gesuiti di proteggerlo, 400 anni dopo ci costruiscono sopra una città.

Se tralasciamo le incongruenze e come già accennato l’ennesima risata, questo momento della storia è il migliore, poi ci saranno sequenze curiose, come quelle in cui il gruppo raggiunge la città e nessuno si chiede perché la gente veste un po’ retrò. Il tutto procede lentamente e quando comincia l’azione anche con un po’ di metal, l’interesse è calato minuti e minuti prima. Inoltre le mummie, che sono il fulcro della storia, combattono facendo uso delle arti marziali e anche accettandolo, purtroppo non è facile che la cosa non stoni, certo non dimentichiamo che “Pallottole cinesi” ha già operato un collegamento tra Western e Kung fu, ma da che mondo e mondo, per chi è memore del fisico di Jackie Chan e ancor prima di Bruce Lee non credo riesca ad immaginare quest’arte scolpita su una mummia.

Il povero sceriffo Drake (Billy Drago – Gli Intoccabili) che sembra arrivato direttamente dal set di “Tremors 4”, anche se un po’ da predicatore ci offre un dialogo sobrio, che spicca dopo ripetitivi e scarni “ehi amico!”, peccato per qualche effetto speciale malriuscito e le immagini di sfondo in transizione (era sufficiente la voce fuori campo). Infine è da segnalare la figura del buon Travis (Billy Wirth) che fa quello che ci si aspetta da un buono, ma non ci viene spiegato perché, ne perché la stessa Lacy ci si lega subito, forse perché dice: “Ho fatto le scelte sbagliate!”, in mezzo a degli avanzi di galera è un miracolo che non gli abbiano sparato subito.

Un Horror senza nulla di che, un buon tentativo di apportare forse del nuovo, ma che finisce con il diventare noioso nelle lunghe attese tra un’azione e l’altra, è comunque una storia, pochi personaggi validi e degli effetti speciali più di makeup che di computer grafica che peccano nel mostrarci creature mostruose, ma passabili nel fornire mobilità ad una mummia.

Un consiglio che posso darvi è quello di vedere sempre il “making of” di una pellicola del genere (anche perché a volte preferirete l’uno all’altra), ascoltare almeno cosa hanno provato gli attori nel girare, per creare la possibilità che vi rimanga un’impronta un po’ più forte di quanto i loro personaggi non siano riusciti a fare attraverso una gabbia di parole chiamata sceneggiatura, un modo di non gettare tutto il lavoro fatto per portare qualcosa sullo schermo, prendendo in considerazione proprio il lavoro fatto prima dello schermo.

Battuta da ricordare: Drake: “Io dico non cercate il tesoro che è sepolto nel cuore dell’inferno, io sto dicendo a voi tutti, sto dicendo cercate le vostre ricchezze nel paradiso…”

Scena da ricordare: La carneficina al tramonto

Consigliato a: Amanti dell’Horror generosi.

httpV://www.youtube.com/watch?v=Cx2F5d9-PoU

Questo è l’unico peluche al mondo che spara sentenze..se solo proverete al abbriacciarlo ecco che sentirete subito uno dei 10 Chuck Norris Facts memorizzati al suo interno! Lo potete trovare sul sito entertainmentearth al modestissimo prezzo di 12.99 Dollari e ricordate sempre “Chuck Norris non indossa mai l’orologio..decide lui che ora è!”

Di certo chi già conosce James Gunn ed il suo passato alla Troma come braccio destro di sua maestà Lloyd Kaufman e autore del cult Tromeo & Juliet non sarà tra questi poveri ignari spettatori perchè abituato a questa miscela di generi tirata in faccia al pubblico senza tanti preamboli ed è questa la vera forza di Super. Si ride certo, e  anche tanto, ma in realtà è un film tristissimo che ci racconta la storia della disperazione di un uomo, Frank, che perde la moglie ed i pochi punti di riferimento della sua vita e, scosso da una crisi mistica, si “trasforma” nel supereroe Saetta Purpurea. Niente salti volanti o armi futuristiche ma una semplice chiave inglese è tutto quello che serve a Saetta Purpurea per combattere i cattivi con il suo motto “attento crimine!” (in originale era il molto più efficace “Shut up Crime!”) e lo fa in maniera limpida e cruda con una violenza che lascia basiti. Una violenza che potrebbe disturbare lo spettatore medio, sono stato personalmente testimone dell’uscita di una coppia dal cinema durante la proiezione offesa dal film, ma altamente funzionale al personaggio di Frank ed alla sua disperazione e inadeguatezza nel fare il supereroe.

La scelta stlistica fatta da James Gunn è perfetta, gran parte del film è girato tutto con camera a mano e non certo una fighetta steadycam ma un sano e vecchio lavoro di camera in spalla che contribuisce a mantere sempre in continuo stato di disagio ed instabilità. Anche la fotografia è stata sporcata quel tanto da allontare il film dagli standard patinati dei comics. Fortunamente la sana follia visiva e il dubbio gusto di mamma Troma scorrono ancora nelle vene di Gunn e la scena della visione mistica di Frank e tutti i vari spot tv di All Jesus Channel ne sono un chiaro esempio.

La forza di James Gunn, oltre in una bellissima sceneggiatura, è nel cast. Rainn Wilson sembra nato per il ruolo di Frank, Ellen Page interpreta alla perfezione il ruolo della folle e sboccata Saettina e Kevin Bacon di diverte non poco a fare lo stronzo. Come tutti i grandi registi Gunn ama circordarsi di persone fidate e sempre presenti nei suoi lavori e quindi nel cast troviamo suo fratello Sean, il grandissimo Michael Rooker, Gregg Henry, Linda Cardellini e un geniale Nathan Fillion nel ruolo del predicatore tv “The Holy Avenger” che combatte Satana, interpretato dallo stesso James Gunn, su All Jesus Channel. Da non dimenticare poi l’immancabile cameo di Lloyd Kaufman omaggiato pure di una battuta dopo il taglio al montaggio di quella in Slither!

Super è senza dubbio il capolavoro di James Gunn (anche se la sceneggiatura di Tromeo & Juliet resta un cult) ma purtroppo in America ha pagato lo scotto di uscire uscire dopo Kick-Ass e da molti è stato visto come una scopiazzatura..niente di più lontano!! Super è un film maturo e sincero, a mio modesto parere, un’opera degna di competere al Sundance. E’ incredibile come si riescano a fare film così belli con solo 2 milioni di Dollari quando ci sono idee e attori validi mentre noi in Italia per fare cagate immani come Natale in Sud Africa e ne spendiamo 12!!

http://www.youtube.com/watch?v=ZOCakOnSfAo

Come diavolo ci sia finito il dvd in edizione speciale 2 dischi, tra le altre cose, di questa pellicola nella mia videoteca è ad oggi ancora un mistero a cui non so dare spiegazioni. Se togliamo gli ottimi effetti speciali (che sono valsi qualche premio in qualche festival del settore), questa pellicola è vuota e non lascia niente di che.

Guardi gli attori e dici “da dove cavolo li hanno presi?”. Guardi la storia – e più che altro la sceneggiatura – e dici “uhm, se qualcuno ha scritto questa roba anch’io posso scrivere un film!”. Guardi tutta questa violenza portata all’estremo e scene di sesso di un ridicolo involontario e ti domandi perchè tu ti stia guardando questo scempio. E menomale che è ispirato ad uno dei romanzi più appassionanti del mondo (il “Faust” di Goethe), pensa se era ispirato a quello più brutto che ne usciva fuori (ma è da precisare che più al romanzo la prima fonte d’ispirazione è una graphic-novel ad opera del duo Vigil-Quinn).

E alla fine della corsa (dove si prova persino a variare sul poetico) ti domandi come sia possibile che un regista talentuoso come Brian Yuzna abbia prodotto e diretto una simil-stupidata infarcita di musica rock/metal scomoda che non dovrebbe esser guardata da nessuno, anzi persino bandita se vogliamo essere piuttosto acidi. Alla fine la palla sta a voi: guardare un film cosi orrendo oppure scegliere qualcosa di più interessante?

Scena da ricordare: il salvataggio della dottoressa da parte di John/Faust tramutato: da antologia.

Frase da ricordare: “Ehi che piacere! Benvenuti al mio show!!!”

Consigliato a: gli amanti di Yuzna e degli effettacci

http://www.youtube.com/watch?v=9KUlVhQe8dQ

E chi conosce il fumetto, semplicemente, non può che convenire.

La fedeltà rispetto al materiale originale è assoluta e il modo in cui hanno shakerato “Il Granchio d’Oro” e “Il Segreto del Liocorno” è preciso e ingegnoso (menzione d’onore ai tre sceneggiatori, due dei quali – Edgar Wright e Steven Moffat – sono delle garanzie, mentre di Joe Cornish conosco poco e almeno il suo “Attack the Block”, così tanto scampanato, non mi ha detto proprio niente).

E’ rimasto intatto lo spirito delle storie di Hergé, dove ad emergere di prepotenza è il senso dell’avventura, dei misteri da svelare con ritmo forsennato, in cui i personaggi sono sempre in movimento e presi in un’azione particolare.

Da “Il Granchio d’Oro” è stato selezionato il primo incontro tra Tintin e il capitano Haddock; il tradimento di Hallan, il secondo del capitano (che nel film diventa uno degli sgherri al servizio di Sakharin); la fuga dalla nave con la scialuppa di salvataggio; tutta la scena con l’aeroplano; la parte ambientata nel deserto e, con le dovute e necessarie modifiche, quella tra le strade di Bagghar. Mentre “Il Segreto del Liocorno”, che rappresenta la spina dorsale del film, fornisce il prologo al Mercato Vecchio (dove il Tintin cinematografico si fa disegnare una caricatura da un’artista di strada fin troppo somigliante ad Hergé, in quella che è a tutti gli effetti una meravigliosa introduzione del protagonista dopo dei bellissimi titoli di testa) con tanto di borseggiatore cleptomane e tutta la parte inerente al mistero del Liocorno e alla storia degli antenati di Haddock e Sakharin.

Fedeltà assoluta, personaggi che rispecchiano completamente gli originali. Vedi il film ed hai la sensazione fortissima di ammirare il fumetto che prende vita sullo schermo. Detto ciò, non possiamo neppure minimizzare l’apporto personale di Spielberg, che inserisce questi omini tratteggiati con la linea chiara in atmosfere da thriller degne dei bei tempi andati (impossibile non sentir rievocare, qua e là, il sacro nome di Alfred Hitchcock), e cerca, con la sua regia morbida e avvolgente, di diminuire la distanza tra gli spettatori e i personaggi: insegue ogni sussulto espressivo, si avvicina per cogliere primi piani eloquenti, tutta una serie di finezze registiche che cercano di restituire, non tanto con l’aggiunta di parole in più, una terza dimensione non soltanto visiva a Tintin e compagnia, figure fumettistiche non ricordate certo come modelli di fine introspezione. Del resto a Hergé interessava il viaggio avventuroso, né è testimone la stessa composizione degli elementi interni della vignetta. Un linguaggio che invece di diventar datato (come è accaduto in altre opere) è assurto a segno inconfondibile dell’autore: personaggi disegnati a figura intera, in cui il piano medio rappresenta il massimo della vicinanza consentita, e grandissimo senso del movimento (ha ragione chi sostiene che le sue pagine sono quasi dei perfetti storyboards per il cinema). Quasi una volontà di rimpicciolire le figure per far meglio spiccare la grandezza dell’evento in cui saranno coinvolte.

Ma dicevamo dell’apporto di Spielberg no? Oltre ad inventarsi dei cambi di scena ricchi d’armonia e fantasiosi, tira fuori delle scene d’azione forsennate che ti inchiodano alla poltroncina del cinema. E da uno dei padri di Indiana Jones non potevamo aspettarci nulla di meno.

Il cast in performance capture crea il miracolo di trasferire in un mondo realistico questi personaggi stilizzati con il loro design iconico. Il migliore della comitiva, neanche a dirlo, è ancora una volta Andy Serkis, con il suo capitano Haddock addirittura più Haddock del fumetto. L’impegno, la dedizione totale che quest’attore mostra ogni volta che presta le sua abilità al mocap sono encomiabili. E’ anche grazie a lui se i personaggi digitali hanno acquistato importanza pari rispetto a quelli tradizionali. Stiamo sempre a cercare il nuovo nell’arte cinematografiche e secondo me non c’è niente che possa rivaleggiare con questa innovazione: le creature fantastiche a base di pixel che vibrano d’intensità come i migliori personaggi in carne ed ossa. Ok, non sempre siamo dinnanzi a risultati memorabili ma sicuramente adesso agli attori vengono dati i mezzi adatti per interpretare (nel senso più completo del termine) ogni personaggio, oltre i confini di qualsiasi limite fisico.

Weta Digital. Il miracolo. Se non si tratterà di un capolavoro drammaturgico questo film è un capolavoro visivo. La Weta cerca sempre di superarsi e sempre pare riuscirci. La meraviglia tecnica a cui assistiamo è difficile da descrivere, l’unico modo saggio di farlo e consigliare di andare e vedere con i propri occhi (magari in 3D, visto che una volta tanto è di gran livello, privo persino di quei problemi di perdita della luminosità che troppo spesso si riscontrano).

Questa collaborazione strettissima tra i due eterni bambini Steven Spielberg e Peter Jackson è partita con il piede giusto. Il film è un’avventura coinvolgente e raffinita, realizzata allo stato dell’arte della tecnica, che ha forse l’unico limite di essere un po’ troppo vecchio stile. Da amante del fumetto di Hergé non posso che apprezzare e ringraziare ma francamente non so se il resto del pubblico farà altrettanto. Parliamo di materiale particolare, di personaggi che si apprezzano meglio se si dispone di un po’ d’ingenuità infantile e che forse sono un po’ lontani dai gusti odierni.

Non so quale sarà l’esito del film. Spero venga apprezzato e incassi bene, perché mi dispiacerebbe assai non poter godere di un nuovo capitolo.

http://www.youtube.com/watch?v=DCzj8D7-R2U